martedì, 29 Novembre 2022
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    È stato ascoltando lo spettacolare podcast “ Discoteca Básica ” del giornalista specializzato in musica Ricardo Alexandre che siamo riusciti a rispondere alla domanda di cui al sottotitolo. Per chi non lo sapesse, in ogni puntata del podcast viene raccontata la storia completa di un disco, un’opera completa che racchiude autore e opera. E come dice lo stesso Ricardo Alexandre all’inizio dei programmi, l’idea è che alla fine, ogni ascoltatore possa fermarsi per 40, 50 minuti e ascoltare effettivamente l’album a tema della puntata. Questa è un’abitudine che abbiamo perso drasticamente in questi giorni grazie allo streaming. 
    Ma di questo parleremo un’altra volta.

    In uno di questi episodi, il decimo per essere più precisi, il disco base era “Kind of Blue” di Miles Davis, l’album jazz più popolare di tutti i tempi. Nello spiegare il titolo dell’album, l’illustre conduttore del podcast, Ricardo Alexandre, parla delle possibili interpretazioni e dei motivi della scelta del nome. In uno di essi, Alexandre descrive che questo titolo potrebbe essere stato scelto per la malinconia delle canzoni, perché in inglese “blue” descrive bene un clima piovoso e autunnale. Poi, il giornalista ci dice che ha a che fare anche con il colore blu stesso, perché Duke Ellington chiama Miles Davis il Picasso dell’arte invisibile. E la “coincidenza” vive in questo punto, poiché negli anni ’20 Picasso ha vissuto la sua famosa fase blu, frutto di uno dei momenti più malinconici del pittore spagnolo. “Kind of Blue” era forse il tipo di livello blu di Miles Davis.

    Quindi, con il podcast “Discoteca Básica” arriviamo al punto che ha portato a questo articolo. Sul retro di copertina del disco c’è un testo di Bill Evans, illustre pianista che ha partecipato alle registrazioni dell’album. In questo testo, ” Improvisation in Jazz “, Evans esplora questa metafora tra pittura e musica come segue:

    C’è un’arte visiva giapponese in cui l’artista è obbligato ad essere spontaneo. Con un pennello speciale e inchiostro nero, deve dipingere su una pergamena sottile tesa in modo tale che una pennellata innaturale o interrotta possa distruggere la linea o rompere la pergamena. Eliminare o apportare modifiche è impossibile. Tali artisti devono praticare un tipo speciale di disciplina, che consente all’idea di esprimersi nella comunicazione con le mani in modo così diretto che il pensiero non interferisce. I dipinti che ne risultano mancano della composizione complessa e delle trame del solito dipinto, ma si dice che coloro che guardano da vicino trovino qualcosa catturato che sfugge a ogni spiegazione.

    Il confronto tra musica e pittura trova evidente il punto in comune: il sentimento, la sensazione che ci trasmette e, nell’oggetto di questo articolo, è proprio malinconia.

    Un colore malinconico

    Come può una canzone trasmettere un sentimento? E il colore, come può trasmettere una sensazione? Di recente ci siamo imbattuti in un video su YouTube dal titolo molto curioso: “Perché gli antichi greci non vedevano il blu?”. Con una domanda così intrigante, non abbiamo esitato a fare clic. 

    La cosa più divertente è che quando pensiamo alla Grecia, di solito pensiamo al blu. Il mare greco ha un blu diverso, le case hanno i tetti blu e anche la bandiera del paese è blu. Ma allora, perché gli antichi greci non vedevano il blu con così tanto di questo colore intorno? Per il semplice fatto che il blu non aveva nome.

    Nei testi antichi, di diverse civiltà, è possibile vedere che il termine “blu” semplicemente non esisteva. Vengono invece citati nero, bianco e rosso. A volte anche il verde e il giallo sono comparsi in questi testi che risalgono a migliaia di anni fa. E questi sono i colori che i ricercatori hanno osservato che le parole che li descrivono apparivano in quell’ordine nelle loro lingue, iniziando con il bianco e nero e lasciando il “blu” per ultimo. E la spiegazione sembra ovvia quando comprendiamo la teoria.

    La distinzione tra bianco e nero è evidente ed è presente in tutte le culture, perché è la distinzione tra giorno e notte. Il rosso viene dopo perché è sempre associato al sangue e al pericolo. Il giallo e il verde compaiono in sequenza per la necessità di distinguere se i frutti erano maturi o meno. Infine, il blu entra nel linguaggio perché non interagiamo con molte cose blu nella nostra vita quotidiana. Inoltre, dipingere con il nero o il rosso è più facile che dipingere con il blu, poiché per “crearlo” dobbiamo mescolare due colori. È interessante osservare nelle grotte con pitture rupestri c’è una predominanza di nero, rosso e colori vicini a questo spettro. Ma sarà difficile trovare un dipinto di quella data che utilizzi prevalentemente il blu.

    Possiamo concludere che gli antichi vedevano il blu, certo, ma non lo intendevano come un colore separato dagli altri, ma come sfumature di bianco, nero e persino verde. Gli antichi, descrivendo il mare, che per noi è azzurro, lo descrivevano ampio, profondo, tempestoso, ma mai azzurro.

    A seconda della scala di blu che utilizziamo, possiamo avvicinarci molto al bianco o al nero. Ad esempio, “baby blue” è più vicino al bianco e “navy blue” al nero. E queste sfumature di blu trasmettono sensazioni diverse a noi umani, proprio perché nei tanti anni di evoluzione, abbiamo iniziato ad associare questo blu più vicino al nero come qualcosa di pericoloso, come il mare o il cielo di mezzanotte. A differenza del blu più vicino al bianco, che è il colore del cielo e degli stagni poco profondi.

    Picasso e l’azzurro

    Non ha bisogno di presentazioni Pablo Picasso, forse l’artista plastico più famoso del secolo scorso. La sua arte ha avuto diverse fasi, il cubismo è forse il più iconico, rendendo i suoi dipinti diversi da qualsiasi cosa fosse stata prodotta prima. Tuttavia, il testo parla del blu e durante questo periodo dell’artista spagnolo, i suoi dipinti trasmettevano la stessa malinconia di Miles Davis, una tristezza, un sentimento di abbandono.

    È noto tra gli storici dell’arte che il suicidio del suo grande amico e anche pittore, Carlos Casagenas, all’età di 21 anni, fu la pietra miliare per l’inizio di questa fase, nel 1901. Picasso aveva solo 20 anni ed era anche in quello stesso anno che cambiò da firmare i suoi dipinti con “Pablo Ruiz y Picasso” a solo “Picasso”.

    Le sue opere di questo periodo sono del 1901 e del 1904, anno in cui il pittore si trasferì a Parigi. Pertanto, sono dipinti prodotti in Spagna e Francia. Il dipinto che apre questa fase riguarda la morte di Casagemas, “La mort de Casagemas”, dove il blu comincia ad emergere. Qui vale una parentesi interessante su Casagemas. Anche spagnolo, come Picasso, l’artista si suicidò per il rimpianto di aver tentato di uccidere la sua amante dell’epoca, ballerina al Moulin Rouge.

    Casagemas non è solo il protagonista del primo dipinto della fase blu di Picasso, ma anche dell’opera più famosa di quel periodo, “La Vie“, del 1903. Questo dipinto aveva diverse bozze e l’uomo a destra variava tra un auto- ritratto di Picasso e si concluse con l’immagine di Casagemas. Le interpretazioni per questa immagine sono numerose e l’artista non ha mai dato molte spiegazioni su quest’opera.

    “La Vie” è stato prodotto anche nei periodi finanziari peggiori di Picasso ed è stato venduto un mese dopo la sua conclusione. Anche la fase blu è permeata da questa difficoltà finanziaria, che ha potenziato questo periodo artistico del pittore spagnolo.

    La fase blu di Picasso è caratteristica per l’evidente uso del colore blu in maniera monocromatica nei suoi dipinti, che non sono molti, ma sono anzi notevoli per la Storia dell’Arte. Oltre a ritrarre l’amico, Picasso mostrava nelle immagini di questo periodo anche ladri, prostitute, ciechi, mendicanti, bambini e i loro genitori in una situazione di sofferenza.

    Come per Goya nella sua fase oscura, l’umore generale era di abbandono, tristezza, malinconia. Picasso era giovane, la vita non gli si presentava con buone prospettive e tutto sembrava non andare bene. Miles Davis avrebbe potuto trasmettere questa sensazione anche nel suo lavoro. Nonostante fosse ricco, non ha mai avuto l’opportunità di frequentare le scuole frequentate dai bianchi. Allo stesso modo, per lui le opportunità non si presentavano allo stesso modo come per altri musicisti bianchi.

    Entrambi divennero indiscussi nelle loro specialità e Picasso avrebbe ancora molto da mostrare dopo la sua fase blu.

    Un momento più roseo

    Dopo la fase blu di Picasso, inizia il periodo rosa del pittore, dando una sensazione più ottimista, gioiosa e appassionata rispetto agli anni precedenti. Nel 1904 Picasso incontra Fernande Olivier, sua amante e compagna nella produzione di diverse opere. La vita sembrava di nuovo colorata, si apriva prospettive eccitanti. Per me il dipinto che conclude questa fase – e che ho avuto l’ottima occasione di vedere con i miei occhi – è “Les Demoiselles d’Avignon”, del 1907. L’inizio del Cubismo di Picasso, un dipinto che racconta molto di lui e anche i suoi amori.

    La mia interpretazione è diversa da quella data da critici d’arte e storici. Questo dipinto è il blu e il rosa, l’addio alla fase malinconica e un benvenuto al brillante futuro che sarebbe venuto nella carriera di Picasso. Tanto che il colore predominante è il rosa, ma in fondo c’è ancora il blu.

    Come con Miles Davis, dopo aver registrato “Kind of Blue”, l’artista è riuscito a rendere popolare il jazz e ha reso il suo album l’album più venduto nella storia di questa categoria. Davis veniva elevato al livello successivo, unendosi al gruppo selezionato di geni musicali e ricevendo tutti i frutti del successo. Ancora oggi il suo nome è riconosciuto, così come quello di Picasso.

    E ciò che questi artisti ci mostranono oggi è questo superamento, questo albeggiare del giorno dopo la tempesta, il rosa dopo il blu, la gioia dopo la malinconia. Stiamo forse attraversando una delle fasi più difficili dell’umanità e la prospettiva del miglioramento sembra lontana. Ma tutte le difficoltà esistono per dimostrare a noi stessi di essere migliori, dando vere opportunità da superare.

    Come Picasso e Miles Davis, sono riusciti a superare i loro momenti di maggiore difficoltà e hanno presentato al meglio le loro grandi opere. Possa l’arte ispirarci sempre a fare di più e meglio. E che ognuno può coltivare il proprio Picasso o Miles Davis.

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